Cristina Civale
Una colección internacional de imágenes inquietantes por su contenido problemático como la contaminación, el sexo, el Sida, la mafia, el sadomasoquismo, la guerra, el narcotráfico, la violencia de género, la destrucción de la naturaleza y de la personas aborda la muestra que el 9 de enero cierra en la Triennale de Milano.
Donna Ferrato. Title/caption: The Arrest, 1987. © Donna Ferrato 1987
Documentos y argumentos que oscilan entre la vida y la muerte, entre el erotismo y las enfermedades terminales, entre situaciones que generaron encendidas protestas, discusiones y censuras desde el inicio del siglo pasado pueden verse a través de las obras de Julio Cesar Aguilar Fuentes, Diane Arbus, Letizia Battaglia, Nina Berman, Elena Dorfman, Donna Ferrato, Nan Goldin, Philip Jones Griffiths, Pieter Hugo, Alfredo Jaar, Yoshiyuki Kohei, Sally Mann, Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, Richard Misrach, James Nachtwey , Michael Nichols, Paolo Pellegrin, Gilles Peress, Eugene Richards, Lise Sarfati, Stephanie Sinclair, Brian Weil, Zalmai, entre otros.
Photographer: Elena Dorfman. Title/caption: Rebecca 1, 2001. © Elena Dorfman/Edwynn Houk Gallery
Algo que también es atributo del arte: molestarnos, incomodarnos, avergonzarnos de nosotros mismos.
En Milán se lo propusieron y lo lograron, tal como dice el curador de Imágenes inquietantes, Germano Celant,
“de Chirico identificaba su pintura como un proceso ligado a las inquietudes, donde la representación era capaz de aliviar el aspecto latente del mundo. Era un concepción del ver y del hacer aparecer, donde el proceso pictórico servía para acercar una verdad desconocida y escondida: cualquier cosa que fuese más allá de las imágenes llegaba a rebelar una insensatez y una turbación con podrían afirmarse como un universo ‘real’ de la realidad misma”.
A pesar de los nuevos soportes, esta afirmación de Giorgio de Chirico atraviesa también el arte contemporáneo.
Archivos para diciembre, 2010
Desde Milán: Última semana de imágenes inquietantes
Publicado: 28/12/2010 en Fotografía, Instalaciones, Salas de exposición, VideoarteEl creador del videoarte, homenajeado en Liverpool
Publicado: 21/12/2010 en Escultura, Fotografía, Instalaciones, Museos, Performance, Sólo artistas, VideoarteNam June Paik, el coreano pionero en el videoarte, inició su carrera trabajando como compositor en Japón y Alemania y se dejó influenciar en sus comienzos por Cage y Beuys, con los que también trabajó, desarrollando un gran interés por la música electrónica.
Desde el 17 de diciembre la Tate Liverpool dedica una retrospectiva a quien está considerado como uno de los artistas más innovadores del siglo XX. En colaboración con FACT (Foundation for Art and Creative Technology), la Tate presenta,la primera gran retrospectiva celebrada internacionalmente tras la muerte del creador coreano y la primera muestra individual dedicada a Paik en Reino Unido desde 1988.
La exposición celebra la labor de Paik como inventor del videoarte, analiza su trayectoria al completo y pondrá de relieve su polifacético talento a través de la exhibición de noventa obras fechadas en todas las fases de su carrera, gran parte de ellas inéditas en Inglaterra. Estos trabajos se acompañarán de una amplia selección de material documental que testimonia las performances de Paik y recuerda las primeras exposiciones de las que su producción fue objeto.
La música, las acciones de Fluxus, el empleo de los medios audiovisuales y la transformación de imágenes televisivas posteriormente manipuladas proporcionan la base de los trabajos en videoarte de Nam June Paik, cuyo estilo personal deriva de su aplicación de la invención y la subjetividad a la tecnología.ç
Entre las obras icónicas del artista podrán verse hasta marzo, los siete TV Buddhas, cuatro esculturas robóticas, Zen for TV 1963 (1982), One Candle (1989) y Video Synthesizer 1969 (1992), entre otras obras.
Buena parte de la muestra de la Tate Liverpool está dedicada a la fotografía y la etapa de su trayectoria más ampliamente estudiada es la correspondiente a las décadas de 1950 y 1960.
Así se montó la retrospectiva anterior, que tuvo lugar en Dusseldorf, Alemania.
On & on es la primera exposición centrada en el arte efímero realizada en Madrid que se viene presentando en el maravilloso espacio La Casa Encendida, allí sobre la Ronda de Valencia, a unas cuantas cuadras del Reina Sofía.
Ahora, cuando ya todos llevamos una vida artística, una propuesta como On & On parece ser un alegato en contra de la virtualidad aparentemente inevitable en la que estamos sumergidos.
En esta exposición hay una reclamación muy directa a la experiencia sensorial y emocional, al embargo poético y al choque con la materialidad. Además, supone una reivindicación de la instalación como género artístico todavía en uso, en oposición a la tendencia mercantilista que ya se había dado por afortunadamente superada, como otras modas incómodas.
Cada instalación reclama su estar y/o participar, empujándonos a intensas inflexiones en impresiones y estados de ánimo, una tras otra, en un carrusel irreconciliable. Son propuestas accesibles para todos los públicos posibles. ¿O quizás cada cual habría de preferir su permanencia, en cada momento, en cada visita, entre el vestuario de nuestras identidades?
En este viaje a Madrid, fue LA exposición de esta breve escapada. Su objetivo fue, a través de la obra de 16 artistas de todo el mundo, invitar a agitar la memoria personal del público, haciendo palpable la decadencia inevitable de la naturaleza y llamando nuestra atención sobre la belleza y magia del instante, la poesía de lo presente.
Gerda-Steiner & Jörg Lenzlinger: The Conference
Para conseguir hacer evolucionar a las piezas expuestas, los 16 artistas invitados aplicaron materiales perecederos como el hielo, la cera, el chocolate o incluso seres vivos. En torno a sus obras se vienen realizando actos fugaces y performances.
Así, según el día que la visites, te podés encontrar con velas encendidas derritiéndose o una habitación bañada de chocolate (Anya Gallacio); pájaros emitiendo sonidos a través de guitarras y bajos (Céleste Boursier); frutas en descomposición (Claire Morgan); una habitación cuya luz se enciende y se apaga (Martin Creed); la continua verbalización de This is Propaganda (Tino Sehgal) o la grabación de la explosión de un cohete casero (Roman Signer).
Anna Gallaccio: Aspire
Los curadores Flora Fairbairn y Olivier Varenne afirmaron que “Vivimos en un mundo sometido a un control constante por parte de los medios. Los artistas responden con obras efímeras que, por su naturaleza, no se pueden rastrear ‘realmente’. Usan materiales que tienen una vida limitada o que están en constante evolución. Estas obras tan dispares, diseñadas en algunos casos para un entorno concreto, tienen en común su interés por los estados de cambio. Evolución, disolución, memoria, fragilidad y envejecimiento”.
Claire Morgan: Fluid
Otros creadores participantes son Andy Goldsworthy, Michael Blazy, Gregorio Zanon y Eloise Fornielles.
Mi obra favorita es la de Chiharu Shiota, en ella se crea en espacio donde una inmensa teleraña, tejida por una humano con simple hilo, envuelve un piano donde nadie toca junto a las sillas vacías de quienes deberían escuchar el concierto silente.
Dialogue with absencees de lo más conmovedor que vi en estos días por la fría Madrid y no pude sacar fotos ni videar estaba estrictamente prohibido y eficientemente vigilado.
