Se hizo famosa porque se casó con John Lennon y la leyenda cuenta que fue la responsable de la separación de Los Beatles. Pero ella era ya una consagrada artista antes de conocer a John y antes de que se armara el conventillo.
Nació en Japón y pasó su infancia entre este país y Estados Unidos. Es considerada como una de las artistas pioneras del arte conceptual. Ya lo era cuando se encontró con John y lo hechizó por el resto de su vida.
En 1952, fue la primera mujer en ser admitida en la Gakushūin University de Tokio. Al poco tiempo se mudó a New York donde armó banda con artistas como John Cage, George Maciunas y Jonas Mekas. Todos ligados al movimiento Fluxus.
Muy pronto se hizo famosa por llevar la vanguardia en la concepción de la performance y al arte conceptual. Aplicó las artes visuales y la música para sus creaciones desde entonces y hasta ahora. Muchas de estas creaciones las hizo junto a Lennon, las más importantes las creó después de su muerte, cuando fue más allá de todos los límites de lo banal.
Su fama y su obra, sobre todo, crecieron tanto a punto de ser considerada hoy una leyenda del pop que continúa trabajando en proyectos musicales bajo varios seudónimos además de su propio nombre.
La restrospectiva tiene lugar en Schirn Kunsthalle Frankfurt hasta mayo de este año. Se llama Yoko Ono. Half-A-Wind Show.
Mañana abre en el Centro Pompidou de París la mayor exposición dedicada en 30 años a Salvador Dalí, cuya figura personal -excéntrica, provocadora, hipernarcisista, obsesionada por el sexo y el dinero- fue tan fuerte que terminó imponiéndose y opacando la genialidad de su arte.
El gran masturbador
Según Manuel Borja Villel, director del museo Reina Sofía de Madrid, que unió esfuerzos con el Pompidou para organizar la muestra, la retrospectiva busca revalorizar el trabajo de Dalí, uno de los artistas más fascinantes y polémicos del siglo XX. Se exhiben unas 200 obras de todas las épocas del artista - pinturas, esculturas, objetos, dibujos-, algunas nunca antes expuestas.
Una espectadora de la instalación Mae West
“Lo ‘daliniano’ ha absorbido frecuentemente a Dalí. Por eso esta exposición es necesaria, porque nos exige leer entre líneas, ir más allá de las máscaras que él construía”, dijo Borja Villel, en la presentación de la exposición a la prensa. Máscaras o no, algunas de las posturas de Dalí lo convirtieron en un personaje no muy simpático, autor de frases como “Franco era un santo” y “La libertad es una mierda”.
La persistencia de la memoria (1931)
Para que esas máscaras pasen a segundo plano, la muestra logró préstamos de piezas esenciales, como “Metemorfosis de Narciso”, de la Tate Modern; “El gran masturbador”, del Reina Sofía, además de “La persistencia de la memoria” y la famosa instalación “Mae West”, entre otras.
La metamorfosis de Narciso, 1937
La última retrospectiva consagrada a Dalí, que tuvo lugar en el Centro Pompidou en 1979, según recordó su director, Alfred Pacquement, fue un récord de público: poco menos de 900.000 visitantes. La retrospectiva que se inaugura mañana en el Pompidou, se exhibirá en el Reina Sofía desde el 24 de abril de 2013.
Una apuesta pretenciosa que podría, francamente, aplicarse a cualquier exhibición que considere que, en las artes visuales, la belleza es un valor primordial.
Valerie Belin de Cleome Spinosa
Siguiendo el juego que proponen en Bordeaux, nos ponemos a pensar qué es exactamente la belleza y si existe para ella un valor absoluto o, al menos, un conjunto de parámetros que pudieran esbozar qué es bello y qué no.
The price of danger de Camille Henrot
La subjetividad siempre está de por medio y un concepto absoluto, desde esta perspectiva, se diluye.
Sin embargo, pareciera que hay un sentido que va más allá de nuestra mirada y de nuestra razón, aún de nuestros gustos, que nos hace palpitar ante éso que podríamos llamar “bello”. A veces en el borde de una obra “bestial”, “horrorosa” que en el exceso de su supuesto defecto contiene una belleza tan pura que es tan indescifrable como intransferible.
De la serie Case history de Boris Mikhailov
Y así se vuelve a la pregunta sobre qué es lo bello.
The New North de David Altmejd
Desafiamos/proponemos al que se anime y tenga ganas: dejá tu comentario sobre qué es lo bello. Y así, de una vez, que empiece el debate.
Mejor que desfigurarse el rostro o, mejor reconfigurarlo, en esta nueva serie donde su imagen vuelve al centro de su trabajo, la artista francesa Orlan, dejó -por ahora- de lado las cirujías con las que armaba sus series donde la imagen femenina desafiaba la estetización de los mass media y también los que su propio espejo. Mirarse en él y reconcer a otro que no es siempre más que ella misma. ¿Se habrá perdido el rastro?
En esta nueva serie, inspiradas en figuras precolombinas y en tribus africanas, Orlane aplica técnicas de digitalización que operan con menos sangre que los escalpelos.
Los resultados tan fascinantes como shockeantes y más shockeante aún es ya no recordar cómo era el rostro de Orlan antes de que comenzara con todos sus procedimientos de transformación física.
Pero quizá eso es lo que viene a contarnos: noy hay ningún rostro que sea “la verdad”, la figura como juego, la carne como plastilina más allá del dolor, que se convierte en placer cada vez que es otra. El goce de la libertad de transformarse hasta el infinito.
En los backstage de la galería Stux de NYC, sus obras aún apiladas, las que quedan, en busca de nuevos dueños que soporten mirar cada vez ese rostro que es puro desafío.
Adriana Varejão, Contingente, 2000 Cortesía de Victoria Miro Gallery, Londres
Cartografías contemporáneas. Dibujando el pensamiento muestra cómo los artistas han subvertido el lenguaje cartográfico, desde el mapa del mundo de los surrealistas, las cartografías de Art & Language o Artur Barrio.
Lothar Baumgarten, Map with planes
También incluye la transformación de la cartografía en vida realizada por los situacionistas, así como las cartografías actuadas de Carolee Schneemann o corporales como Yves Klein y Ana Mendieta. Aborda los mapas mentales, desde Lewis Carroll hasta Erik Beltran; la experiencia vivida de On Kawara, los diferentes conceptos de espacio y también los trabajos que responden a las cartografías del poder, como las de Marcel Broodthaers, Alighiero Boetti, Thomas Hirschhorn o Francis Alÿs.
La exposición presenta cartografías elaboradas por artistas de los siglos XX y XXI que interrogan y cuestionan los sistemas de representación. Cartografías de espacios físicos y mentales que generan nuevos significantes y reflexiones sobre los diferentes tipos de espacios (heterotopías, utopías, invisibles o virtuales). De este modo, tomamos conciencia del predominio del simulacro sobre la realidad, de nuestras dificultades para representar el mundo contemporáneo y de las nociones de ideología y poder implícitas en el acto de representar.
Hasta el 28 de octubre en Espacio Caixa Forum de Barcelona.
Sus fotos siempre me parecieron chabacanas. Hace dos años vi una retrospectiva en Milán y salí algo asqueada. Me parece un artista banal. Pero el gusto es muy arbitrario. Cómo ignorar que fue adoptado por Andy Warhol que lo reclutó para que participase de la aventura que fue la gran revista Interview.
Alli David (Conneticut, 1963) comenzó a relacionarse con el star system y a ser más pop que el mentor del pop y creador de la Factory más productiva del arte de los años 60 en EE. UU.
Ahora llega con una muestra al Center of Conteporary Art de la exquisita ciudad de Lucca, en el corazón de la Toscana italiana.
De sus años de Interview recuerda ahora LaChapelle: “Interview era una revista donde si había que publicar. Si uno quería saber qué estaba pasando en el mudo, el mundo del arte y de la cultura pop, leía Interview”.
Así de esas páginas forjadas en la Factory, lo que muchos llaman su “glamour hiperrealista, teatral y algo loco” conquistó las más ilustres tapas de revistas con figuras del jet set, convirtiéndose él mismo en una celebridad de la fotografía contemporánea.
Quizá algunos recuerden cuando vino a Buenos Aires y expuso en el Malba en una muestra curada por Eva Grinstein. A mí, de glamour, nada; de gratitud, todo. Pero vuelvo a lo dicho: la cuestión del gusto aunque, claro, hay otras medidas menos arbitrarias para legitimar una obra artística. En este caso, ¿cuáles serían¿
A través de dos mesas redondas, destacados artistas de la región reflexionarán sobre las fronteras entre tradición y modernidad, y el género e identidad. Paralelamente se proyectará una selección de piezas artísticas en formato vídeo de los artistas Basel Abbas; Ahmed Badry; Atef Berredjem; Asli Sungu y Mahmoud Bakhshi que abordan los temas tratados en las mesas.
La jornada itinerará los días 9 y 10 de julio a la sede de Casa Árabe en Madrid.
Estas jornadas son el resultado de la colaboración entre la Delfina Foundation, promotora de las mismas, MUSAC y Casa Árabe y han sido producidas y dirigidas por Arte Global.
Oriente Medio y el norte de África son un mosaico de civilizaciones, culturas y religiones donde los creadores contemporáneos desarrollan su actividad artística. La diversidad cultural marca el imaginario colectivo de estos artistas que reflexionan sobre aspectos como los conflictos políticos, la identidad, la realidad social y la memoria histórica. El desarrollo y democratización de las nuevas tecnologías ha facilitado que las nuevas generaciones de artistas desarrollen sus discursos desde el plano de la trasgresión, configurando una crítica a los tabúes sociales y a la alienación política.
Mientras se prepara mañana en El Matadero una nueva edición de Madrid Foto, hoy se inauguró en el Jardín Botánico de Madrid, Photoespaña, organizada por La Fábrica, uno de los eventos fotográficos más importantes de Europa, casi a la par de París Photo.
Entre las numerosas muestras que tomarán literalmente la ciudad durante dos meses, me da ganas de destacar la que se exhibirá en las exquisitas salas del Jardín Botánico de Madrid, allí en el Paseo del Prado.
Me refiero la colección de AENA, es decir la red de aeropuertos españoles, que en buenos tiempos ha invertido en obras contemporáneas de calidad. Cuentan los organizadores que “air_port_photo representa la puesta de largo de la obra fotográfica de la Colección Aena de Arte Contemporáneo reuniendo en el Real Jardín Botánico, por primera vez, una cuidada selección de piezas expuestas habitualmente en distintos aeropuertos españoles gestionados por Aena Aeropuertos. La muestra, comisariada por Ángeles Imaña, forma parte de los proyectos invitados que participan en la sección oficial de PHotoEspaña 2012.
La Colección Aena de Arte Contemporáneo habita en los aeropuertos, se contagia del impulso renovador de su arquitectura y de su ingeniería. En 2005 se creó el Premio Fundación Aena de Fotografía, de carácter extraordinario, coincidiendo con el X aniversario de la Fundación, una vía para abrir la colección a esta disciplina artística. La convocatoria extraordinaria se repitió en 2007 y 2009 y a partir de 2010 se establece con carácter regular y anual como un compromiso de mecenazgo al arte fotográfico. Con este premio se han incorporado a la colección 18 fotografías, correspondientes a los tres premiados en cada convocatoria, de autores como Victoria Diehl, Paco Polán, Rosell Meseguer o Almalé/ Bondía. Paralelamente se han adquirido piezas que han revitalizado y enriquecido el patrimonio artístico de Aena, de artistas como Alberto García-Alix, Chema Madoz, Chema Alvargonzalez, Santiago Sierra y Daniel Canogar.
Las fotografías seleccionadas, dispersas hasta ahora por distintos aeropuertos y reunidas por primera vez, son testigos de su tiempo, de las inquietudes artísticas de sus autores, de la sociedad actual: La preservación de la naturaleza y la cultura, la denuncia social, reflexiones sobre los espacios aparentemente deshumanizados en que se gesta la civilización del siglo XXI, entre otras. El broche de la muestra son dos piezas de vídeo arte de José Manuel Ballester y de Tim White-Sobieski, recientemente incorporadas”.
La muestra colectiva incluye imágenes de los siguientes artistas: Rubén Acosta, Almalé/Bondía, Helena Almeida, Chema Alvargonzález, Paula Anta, José Manuel Ballester, Raúl Belinchón, Francisco Javier Berguizas, Mássimo Boldrín, Daniel Canogar, Victoria Diehl, Arantzazu García Calderón, Chus García Fraile, Carmela García, Alberto García-Alix, Pablo Genovés, Dionisio González, Maider López, Ricardo López Bueno, Rogelio López Cuenca, Chema Madoz, Jorge Mendué, Rosell Meseguer, José Ramón Moreno, Paloma Navares, Paco Polán, Juan de Sande, Santiago Sierra, Daniel Torrelló, Damián Ucieda, Raúl Urbina y Tim White-Sobieski.
El Museo de arte contemporáneo de Singapure presenta la muestra Panorma en la que ofrece una amplia mirada sobre el estallido de producciones artísticas que tuvieron lugar a partir de 200o en Asia.
Zhou Xiaozhu
La muestra se nutre de obras del patrimonio del museo, uno de los mejores provistos del continente. Artistas tales como Agnes Arellano nos recuerdan el poder del mito en la construcción de la tradición y la identidad a la vez que Agus Suwage rastrea el poder de las imágenes provenientes de los medios y cómo su circulación masiva está formateando nuestra percepción de la realidad pero también del arte.
Anges Arellano
Nalini Malani, por su parte, enfatiza en el iso de la luz como símbolo de la energía creative sue se propgagó por las ciudades modernas, como la misma Singapure.
Zacarin Krue
Esta primera edición de Panorama reúne 24 artistas de ocho países asíaticos que trabajan en pintura, escultura, dibujo, fotografía, vídeos e instalaciones.
Sherman Ong
La segunda edición de Panorama está prevista para el período 2013/14, en tanto esta puede visitarse hasta diciembre de este año.
Aquí una entrevista al director del museo y una visita muy bien registrada de Panorama.
La artista visual Ana de Orbegoso, nacida en Lima pero actualmente residente en New York, ideó un proyecto artístico, Vírgenes urbanas, en el que aplica tradición religiosa con tradición peruana donde, a través de un conjunto de fotografías de mujeres peruanas narra otra historia sobre la incidencia de la virgen María -finalmente otra mujer- en la vida cotidiana de las mujeres de Perú, una revisitiación que podría extenderse como concepto a América Latina.
El proyecto está de tour por Perú y el 3 de abril llega con pasacalle de Sikuris en Puno, capital folklórica del Perú.
Así lo cuenta al artista:
“Las “Virgenes Urbanas” son fotografías basadas en pinturas coloniales, revisadas y reinventadas para reflejar realidades e ideales contemporáneos. Para éste proyecto, fueron utilizadas imágenes históricas de pinturas religiosas de la Escuela de Cusco. Fueron sustituidos personajes, fondos y símbolos por elementos que celebran más al Perú de hoy, en vez de los ideales del conquistador.
De acuerdo a la típica estrategia de dominación, los conquistadores españoles de las Américas utilizaron el arte como propaganda para su causa. Pinturas religiosas representando imágenes con rasgos caucásicos fueron usados rutinariamente por los colonizadores alrededor del mundo imponiendo las ideas, religión y estereotipos occidentales. Los maestros pintores europeos enseñaron a los pintores locales de las colonias a reproducir su estilo pictórico y a mantener el uso de símbolos y rasgos occidentales en las obras de arte religiosas. En las Américas, muchas de las pinturas giraron alrededor de una figura central femenina, la imágen de la Virgen, la cual representaba el ideal al que las mujeres nativas estaban supuestas a alcanzar: pureza, benevolencia y sumisión.
Este trabajo usa como fondo pinturas con la imagen de la Virgen. Al remover los rostros clásicos Europeos del arquetipo divino de las pinturas coloniales y reemplazándolos con imágenes de mujeres Peruanas actuales, uso el arte como propaganda para conseguir un mensaje diferente al de los maestros pintores de la colonia, uno que refuerza el valor de la mujer Peruana de hoy, apropiándose del pasado para convertirlo en presente y generar una mirada hacia el futuro. Las “Virgenes Urbanas”, orgullosas , autosuficientes y festivas, son figuras de carne y hueso que habitan un mundo que incorpora la iconografía y la grandeza de la antigua y moderna cultura Peruana.
Odi Gonzáles, poeta cusqueño, colaboró en este proyecto escribiendo poemas dándoles voz y cotidianeidad a los personajes de las obras en Español, Inglés y Quechua.
Si originalmente los cuadros se encontraban en palacios y espacios sagrados orientados al culto, las “Virgenes Urbanas” salen a los espacios públicos a respirar, interactuando con su entorno urbano, accesibles a todos. Paralelo a la muestra fotográfica se lleva a cabo un evento en el que las imágenes interactúan con los pobladores. A través de una convocatoria hecha a los artistas locales, con el espíritu de que éste evento se convierta en una interacción de obra entre artistas, se crean diversas expresiones. Esta obra ha ocasionado caminatas por sitiales históricos, sesiones de poesía, paseos y pasacalles por grupos de baile acompañados por músicos.
El punto de partida de ésta presentación itinerante ha sido la ciudad de Cusco; paradigma del mestizaje en el Perú, la fusión de las culturas indígenas y Europeas. Es en ésta ciudad, donde se superpone la piedra tallada colonial a la pared Inca, donde el cristianismo y la espiritualidad andina conviven, es que las “Virgenes Urbanas” comenzaron su travesía el 31 de octubre del 2006.
Le siguieron exhibiciones y caminatas en las ciudades de: Lima en el ICPNA de Miraflores y Museo de la Nación; Trujillo en la Casona Orbegoso (+Huaca del Sol y La Luna + Huaca de la Sra. de Cao); Chiclayo en el INC (+Valle de las Pirámides de Túcume); Piura en la Alianza Francesa; Sullana en La Galería; Cajamarca en la Galería Cultural “Tila Becerra Cieza”; Cajabamba en la Municipalidad; Huancayo en el Instituto de la Cultura y la Juventud y Museo de Sitio de Wari Willka; Ayacucho en la Sala de Cultura de la Dirección Regional de Cultura y en el pueblo de Quinua hasta el momento.
Esta obra tiene el firme propósito de seguir recorriendo territorio peruano con la intención de difundir, inspirar, e integrar”.
Cristina Civale
