Archivos de la categoría ‘Historia’

Se hizo famosa porque se casó con John Lennon y la leyenda cuenta que fue la responsable de la separación de Los Beatles. Pero ella era ya una consagrada artista antes de conocer a John y antes de que se armara el conventillo.

Nació en Japón y pasó su infancia entre este país y Estados Unidos. Es considerada como una de las artistas pioneras del arte conceptual. Ya lo era cuando se encontró con John y lo hechizó por el resto de su vida.

Nord_yoko_ono

En 1952, fue la primera mujer en ser admitida en la Gakushūin University de Tokio. Al poco tiempo se mudó a New York donde armó banda con artistas como  John Cage,  George Maciunas y Jonas Mekas. Todos ligados al movimiento Fluxus.

Yoko Ono

Muy pronto se hizo famosa por llevar la vanguardia en la concepción de la performance y al arte conceptual. Aplicó las artes visuales y la música para sus creaciones desde entonces y hasta ahora. Muchas de estas creaciones las hizo junto a Lennon, las más importantes las creó después de su muerte, cuando fue más allá de todos los límites de lo banal.

Yoko-Ono

Su fama y su obra, sobre todo, crecieron tanto a punto de ser considerada hoy una leyenda del pop que continúa trabajando en proyectos musicales bajo varios seudónimos además de su propio nombre.

La restrospectiva tiene lugar en Schirn Kunsthalle Frankfurt hasta mayo de este año. Se llama Yoko Ono. Half-A-Wind Show.

Le rapace de Bernard Buffet

En Bordeaux en el Instituto Cultural Magrez tiene lugar una muestra que, con el nombre de La bella y la bestia, intenta -a través de la obra de 30 artistas- tratar de dilucidar de qué hablamos cuando hablamos de belleza.

Taxidermia de Adel Abdessemed 

Una apuesta pretenciosa que podría, francamente, aplicarse a cualquier exhibición que considere que, en las artes visuales, la belleza es un valor primordial.

Valerie Belin de Cleome Spinosa

Siguiendo el juego que proponen en Bordeaux, nos ponemos a pensar qué es exactamente la belleza y si existe para ella un valor absoluto o, al menos, un  conjunto de parámetros que pudieran esbozar qué es bello y qué no.

The price of danger de Camille Henrot

La subjetividad siempre está de por medio y un concepto absoluto, desde esta perspectiva, se diluye.

Sin embargo, pareciera que hay un sentido que va más allá de nuestra mirada y de nuestra razón, aún de nuestros gustos, que nos hace palpitar ante éso que podríamos llamar “bello”. A veces en el borde de una obra “bestial”, “horrorosa” que en el exceso de su supuesto defecto contiene una belleza tan pura que es tan indescifrable como intransferible.

De la serie Case history de Boris Mikhailov

Y así se vuelve a la pregunta sobre qué es lo bello.

The New North de David Altmejd

Desafiamos/proponemos al que  se anime y tenga ganas: dejá tu comentario sobre qué es lo bello. Y así, de una vez, que empiece el debate.

Una inquietante muestra que sólo puede ser visitada on line presenta esta vez la Tate Modern de Londres.  Me refiero a The gallery of lost art.

A través de sencillas interfaces de navegación amigable, se montó un sitio donde -desde un piso que podría simular un sótano- se encuentran libros que hacen de íconos de obras del arte moderno y contemporáneo que se esfumaron.

Robadas, destruidas, descartadas por negligencia, ahora fuera de la vida: intangibles. Obras fundamentales, muchas de ellas, que marcan un giro en la historia del arte.

Así está la famosa Fountain de Marcel Duchamp o algunos cuadros de Lucien Freud o Joan Miró o los cuadros quemados de John Baldessari, entre otros. El sitio se puede navegar también por artista o  por tipo de périda, tras cada ícono podemos ver una fotografía de la obra abducida y un ensayo breve que nos cuenta la historia fantástica de su ausencia.

Se puede navegar por los mares del arte perdido hasta el 1 de julio de 2013. Un sitio que nos invita a visitas periódicas, para contarnos la contratara de la historia del arte: un fuera de campo inevitable.

Adriana Varejão, Contingente, 2000 Cortesía de Victoria Miro Gallery, Londres

Cartografías contemporáneas. Dibujando el pensamiento muestra cómo los artistas han subvertido el lenguaje cartográfico, desde el mapa del mundo de los surrealistas, las cartografías de Art & Language o Artur Barrio.

Lothar Baumgarten, Map with planes

También incluye la transformación de la cartografía en vida realizada por los situacionistas, así como las cartografías actuadas de Carolee Schneemann o corporales como Yves Klein y Ana Mendieta. Aborda los mapas mentales, desde Lewis Carroll hasta Erik Beltran; la experiencia vivida de On Kawara, los diferentes conceptos de espacio y también los trabajos que responden a las cartografías del poder, como las de Marcel BroodthaersAlighiero BoettiThomas Hirschhorn o Francis Alÿs.

La exposición presenta cartografías elaboradas por artistas de los siglos XX y XXI que interrogan y cuestionan los sistemas de representación. Cartografías de espacios físicos y mentales que generan nuevos significantes y reflexiones sobre los diferentes tipos de espacios (heterotopías, utopías, invisibles o virtuales). De este modo, tomamos conciencia del predominio del simulacro sobre la realidad, de nuestras dificultades para representar el mundo contemporáneo y de las nociones de ideología y poder implícitas en el acto de representar.

Hasta el 28 de octubre en Espacio Caixa Forum de Barcelona.

Sus fotos siempre me parecieron chabacanas. Hace dos años vi una retrospectiva en Milán y salí algo asqueada. Me parece un artista banal. Pero el gusto es muy arbitrario. Cómo ignorar que fue adoptado por Andy Warhol que lo reclutó para que participase de la aventura que fue la gran revista Interview.

Alli David (Conneticut, 1963) comenzó a relacionarse con el star system y a ser más pop que el mentor del pop y creador de la Factory más productiva del arte de los años 60 en EE. UU.

Ahora llega con una muestra al Center of Conteporary Art de la exquisita ciudad de Lucca, en el corazón de la Toscana italiana.

De sus años de Interview recuerda ahora LaChapelle: “Interview era una revista donde si había que publicar. Si uno quería saber qué estaba pasando en el mudo, el mundo del arte y de la cultura pop, leía Interview”.

Así de esas páginas forjadas en la Factory, lo que muchos llaman su “glamour hiperrealista, teatral y algo loco” conquistó las más ilustres tapas de revistas con figuras del jet set, convirtiéndose él mismo en una celebridad de la fotografía contemporánea.

Quizá algunos recuerden cuando vino a Buenos Aires y  expuso en el Malba en una muestra curada por Eva Grinstein.  A mí, de glamour, nada; de gratitud, todo. Pero vuelvo a lo dicho: la cuestión del gusto aunque, claro, hay otras medidas menos arbitrarias para legitimar una obra artística. En este caso, ¿cuáles serían¿

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León organiza este viernes 6 de julio la joranda Explorando paradigmas: género, modernidad y tradición, un día entero de debate y proyección de vídeo-arte en torno a la realidad artística del Medio Oriente y el Norte de África.

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A través de dos mesas redondas, destacados artistas de la región reflexionarán sobre las fronteras entre tradición y modernidad, y el género e identidad. Paralelamente se proyectará una selección de piezas artísticas en formato vídeo de los artistas Basel Abbas; Ahmed Badry;  Atef Berredjem;  Asli Sungu y Mahmoud Bakhshi que abordan los temas tratados en las mesas.

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La jornada itinerará los días 9 y 10 de julio a la sede de Casa Árabe en Madrid.

Estas jornadas son el resultado de la colaboración entre la Delfina Foundation, promotora de las mismas, MUSAC y Casa Árabe y han sido producidas y dirigidas por Arte Global.

Oriente Medio y el norte de África son un mosaico de civilizaciones, culturas y religiones donde los creadores contemporáneos desarrollan su actividad artística. La diversidad cultural marca el imaginario colectivo de estos artistas que reflexionan sobre aspectos como los conflictos políticos, la identidad, la realidad social y la memoria histórica. El desarrollo y democratización de las nuevas tecnologías ha facilitado que las nuevas generaciones de artistas desarrollen sus discursos desde el plano de la trasgresión, configurando una crítica a los tabúes sociales y a la alienación política.

Toda la información, aquí.

Onomatopee es una institución ubicada en Amsterdam cuyo objetivo es poner en cuestionamiento la comunicación y la cultura tal cual hoy está diseñada a través de investigaciones y trabajos visuales.

El proyecto de 2012, que arranca el 13 de abril, incluye cuatro exposiciones colectivas y la entrega de cuatro capítulos sobre la ambigüedad social.
La verdad vs el gobierno, la organización y  la familia. Como disparador de la primera muestra/investigación (verdad vs. gobierno)  evocan una frase de Gorbachov donde expresaba: ” Lo que necesitamos es una Star Peace, no una Star War”.

Vivir a través de la ambigüedad y la búsqueda de la cohesión: aquí es donde se emparejan cada vez más el carácter híbrido de los puntos de referencia que nos narran nuestras identidades personales, junto con nuestra necesidad de historias que nos permitan participar en escenarios de cohesión social (gobierno, organización, familia) y proceder a hacer frente a estas estructuras sociales tradicionales.
Diseñadores y críticos son convocados específicamente para crear imágenes y textos que permitan acercarse a las narraciones de nuestra identidad y a las historias de nuestra organización y a su vez a su cuestionamiento.

Onomatopee nació para poner en duda todo lo aceptado como natural.

En cuatro muestras colectivas que funcionan como capítulos, se intenta dar una mirada en profundidad sobre la historia y la narración a través del  juego individual con las fuentes de información y el deseo de pertenencia a una organización social dada.

Participan, entre otros, los siguientes artistas: Aleksandra DomanovicFoundland, Gokce Suvari , Group R.E.P. (revolutionary experimental space), Lieven De Boeck , Mauro VallejoMonika Löve y Slavs and Tatars.

La artista visual Ana de Orbegoso, nacida en Lima pero actualmente residente en New York, ideó un proyecto artístico, Vírgenes urbanas, en el que aplica tradición religiosa con tradición peruana donde, a través de un conjunto de fotografías de mujeres peruanas narra otra historia sobre la incidencia de la virgen María -finalmente otra mujer- en la vida cotidiana de las mujeres de Perú, una revisitiación que podría extenderse como concepto a América Latina.



El proyecto está de tour por Perú y el 3 de abril llega con pasacalle de Sikuris en Puno, capital folklórica del Perú.

Así lo cuenta al artista:
“Las “Virgenes Urbanas” son fotografías basadas en pinturas coloniales, revisadas y reinventadas para reflejar realidades e ideales contemporáneos. Para éste proyecto, fueron utilizadas imágenes históricas de pinturas religiosas de la Escuela de Cusco. Fueron sustituidos personajes, fondos y símbolos por elementos que celebran más al Perú de hoy, en vez de los ideales del conquistador.

De acuerdo a la típica estrategia de dominación, los conquistadores españoles de las Américas utilizaron el arte como propaganda para su causa. Pinturas religiosas representando imágenes con rasgos caucásicos fueron usados rutinariamente por los colonizadores alrededor del mundo imponiendo las ideas, religión y estereotipos occidentales. Los maestros pintores europeos enseñaron a los pintores locales de las colonias a reproducir su estilo pictórico y a mantener el uso de símbolos y rasgos occidentales en las obras de arte religiosas. En las Américas, muchas de las pinturas giraron alrededor de una figura central femenina, la imágen de la Virgen, la cual representaba el ideal al que las mujeres nativas estaban supuestas a alcanzar: pureza, benevolencia y sumisión.

Este trabajo usa como fondo pinturas con la imagen de la Virgen. Al remover los rostros clásicos Europeos del arquetipo divino de las pinturas coloniales y reemplazándolos con imágenes de mujeres Peruanas actuales, uso el arte como propaganda para conseguir un mensaje diferente al de los maestros pintores de la colonia, uno que refuerza el valor de la mujer Peruana de hoy, apropiándose del pasado para convertirlo en presente y generar una mirada hacia el futuro. Las “Virgenes Urbanas”, orgullosas , autosuficientes y festivas, son figuras de carne y hueso que habitan un mundo que incorpora la iconografía y la grandeza de la antigua y moderna cultura Peruana.

Odi Gonzáles, poeta cusqueño, colaboró en este proyecto escribiendo poemas dándoles voz y cotidianeidad a los personajes de las obras en Español, Inglés y Quechua.

Si originalmente los cuadros se encontraban en palacios y espacios sagrados orientados al culto, las “Virgenes Urbanas” salen a los espacios públicos a respirar, interactuando con su entorno urbano, accesibles a todos. Paralelo a la muestra fotográfica se lleva a cabo un evento en el que las imágenes interactúan con los pobladores. A través de una convocatoria hecha a los artistas locales, con el espíritu de que éste evento se convierta en una interacción de obra entre artistas, se crean diversas expresiones. Esta obra ha ocasionado caminatas por sitiales históricos, sesiones de poesía, paseos y pasacalles por grupos de baile acompañados por músicos.

El punto de partida de ésta presentación itinerante ha sido la ciudad de Cusco; paradigma del mestizaje en el Perú, la fusión de las culturas indígenas y Europeas. Es en ésta ciudad, donde se superpone la piedra tallada colonial a la pared Inca, donde el cristianismo y la espiritualidad andina conviven, es que las “Virgenes Urbanas” comenzaron su travesía el 31 de octubre del 2006.

Le siguieron exhibiciones y caminatas en las ciudades de: Lima en el ICPNA de Miraflores y Museo de la Nación; Trujillo en la Casona Orbegoso (+Huaca del Sol y La Luna + Huaca de la Sra. de Cao); Chiclayo en el INC (+Valle de las Pirámides de Túcume); Piura en la Alianza Francesa; Sullana en La Galería; Cajamarca en la Galería Cultural “Tila Becerra Cieza”; Cajabamba en la Municipalidad; Huancayo en el Instituto de la Cultura y la Juventud y Museo de Sitio de Wari Willka; Ayacucho en la Sala de Cultura de la Dirección Regional de Cultura y en el pueblo de Quinua hasta el momento.

Esta obra tiene el firme propósito de seguir recorriendo territorio peruano con la intención de difundir, inspirar, e integrar”.

Ayer se inauguró la retrospectiva de la exquisitia artista nipona, Yayoi Kusama en la Tate Modern de Londres.

Primera mujer en meterse en el mundo de las artes visuales de su país, su obra es un viaje a las leyendas más insólitas de Japón y su obra una muestra indudable de exquisitez sin fin.

Actualmente la artista vive en una institución mental en Tokio, sin embargo tiene derecho a acceder a su trabajo en un estudio cercano. “Su locura está controlada”, dice la curadora de la Tate en el video de abajo. No lo creo y me alegro.

Desde 1920 hasta los 60, los más encumbrados circuitos del arte y la modo se rindieron ante el talento del fotógrafo inglés Cecil Beaton, no sólo fotógrafo de modas, sino también diseñador de vestuario, pintor, dibujante, decorador de interiores.

La muestra que hoy se exhibe en el museo público de New York, Cecil Beaton: The New York Years, pone a disposición del visitante de un modo ordenado y didáctico -obras separadas por cada artistas retratado o por evento o por año- tanto sus irónicas fotografías como dibujos y diseños de indumentaria para dar cuenta del impacto del artista en la ciudad.

No están las 600 obras con las que la National Portrait of London le rindió homenaje, pero si hay un puñado de piezas que dan cuenta de la exquisitez de su mirada y de su habilidad única para el retrato, tomando lo esencial del retratado, aquello que lo definía exactamente como quien era.

La obra de Beaton dejó su huella en el campo de la moda pero también en las puestas de Broadway -ambientación, diseño y vestuario-, en el ballet y en la opera donde su estética apareció siempre inconfundible: marca Beaton.