Con entrevistas a los curadores y un reportaje histórico a la artista, te presentamos un recorrido a través de un nuevo recorte de su cuerpo de obra.
Con entrevistas a los curadores y un reportaje histórico a la artista, te presentamos un recorrido a través de un nuevo recorte de su cuerpo de obra.
Your Rainbow Panorama de Olafur Eliasson (artista mitad islandés, mitad dinamarqués) constituye una instalación permanente ubicada en el techo del ARoS Museum en Dinamarca. Terminado de construir a finales de 2011 luego de 5 años de intensa labor, el inmenso trabajo tiene un diámetro de 52 metros y está montado en columnas que se deslizan en la terraza del museo.
Los visitantes, literalmente, pueden caminar a través de los distintos espectros de color del arco iris, percibiendo el mundo desde una perspectiva verde, rosa, azul y de todos los tonos de amarillo.
“Esta instalación -afirmó Eliansson- constituye un diálogo con la arquitectura existente y reafirma aquello que ya está construido, lo que implica una visión determinada de la ciudad.
Creé un espacio que, virtualmente, borra las fronteras entre el adentro y el afuera, donde la gente puede dudar sobre cada paso que da y no sabe exactamente qué esta pisando: si está dentro de mi obra o en alguna parte del museo. La incertidumbre es importante para mí porque creo que alienta a las personas a pensar y sentir más allá de los límites dentro de los cuales están acostumbrados a moverse”.
Olafur Eliasson “Your Rainbow Panorama” from shell3000 on Vimeo.
Olafur Eliasson “Your Rainbow Panorama” from shell3000 onVimeo.
Le rapace de Bernard Buffet
En Bordeaux en el Instituto Cultural Magrez tiene lugar una muestra que, con el nombre de La bella y la bestia, intenta -a través de la obra de 30 artistas- tratar de dilucidar de qué hablamos cuando hablamos de belleza.
Una apuesta pretenciosa que podría, francamente, aplicarse a cualquier exhibición que considere que, en las artes visuales, la belleza es un valor primordial.
Valerie Belin de Cleome Spinosa
Siguiendo el juego que proponen en Bordeaux, nos ponemos a pensar qué es exactamente la belleza y si existe para ella un valor absoluto o, al menos, un conjunto de parámetros que pudieran esbozar qué es bello y qué no.
The price of danger de Camille Henrot
La subjetividad siempre está de por medio y un concepto absoluto, desde esta perspectiva, se diluye.
Sin embargo, pareciera que hay un sentido que va más allá de nuestra mirada y de nuestra razón, aún de nuestros gustos, que nos hace palpitar ante éso que podríamos llamar “bello”. A veces en el borde de una obra “bestial”, “horrorosa” que en el exceso de su supuesto defecto contiene una belleza tan pura que es tan indescifrable como intransferible.
De la serie Case history de Boris Mikhailov
Y así se vuelve a la pregunta sobre qué es lo bello.
The New North de David Altmejd
Desafiamos/proponemos al que se anime y tenga ganas: dejá tu comentario sobre qué es lo bello. Y así, de una vez, que empiece el debate.
Perteneció a la generación que en los 80s hacía estallar Manhattan.
Murió en 2004 cuando acababa de cumplir 53. Gretchen Bender ya había realizado una carrera estelar como videoartista creando obras como Total recall y produciendo y dirigiendo videos musciales para R.E.M., New Order y Megadeth y diseñando sets y coreografías para Bill T. Jones y Molissa Fenley.
En estos días se presenta una retrospectiva de su obra en Poor Farm, Tracking the thrill, donde se pueden ver sus más aclamadas videoinstalaciones y su modo -pionero y alucinado- de organizar los televisores ya sea para trabajos publicitarios como para sus obras más personales.
On the moon, REM
Una artista que exploró las posibilidades del video desde todas sus perspectivas, tanto de registro como expositivas; una mujer que partió demasiado pronto porque su obra hacía intuir que podría haber llegado muy lejos.
Shen Yuan fue una importante activista en su país a finales de los 80s, desde el arte acompañaba las insurrecciones que tenían lugar en su país. A causa de ellas, tuvo que emigrar a Francia donde actualmente reside y allí continuó una carrera notable que le valió representar a su país en 2005 en la Bienal de Venecia.
Actualmente vulve a China con una muestra en solitario, unas escaleras al cielo y otras esculturas aéreas tan fascinantes como las que fue construyendo en París, durante su exilio y actual residencia.
Acaba de inaugurar Sky Ladder donde combina arquitectura arte y preocupación por el medio ambiente en Tan Contemporary Art, en el distrito de arte de Beijing.
Son tiempos florecientes para el arte en la capital china, donde un colectivo de artistas, inspirados en la obra de Yua, realiza una exposición colectiva. En el video es nuestro bonus track.
El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León organiza este viernes 6 de julio la joranda Explorando paradigmas: género, modernidad y tradición, un día entero de debate y proyección de vídeo-arte en torno a la realidad artística del Medio Oriente y el Norte de África.
A través de dos mesas redondas, destacados artistas de la región reflexionarán sobre las fronteras entre tradición y modernidad, y el género e identidad. Paralelamente se proyectará una selección de piezas artísticas en formato vídeo de los artistas Basel Abbas; Ahmed Badry; Atef Berredjem; Asli Sungu y Mahmoud Bakhshi que abordan los temas tratados en las mesas.
La jornada itinerará los días 9 y 10 de julio a la sede de Casa Árabe en Madrid.
Estas jornadas son el resultado de la colaboración entre la Delfina Foundation, promotora de las mismas, MUSAC y Casa Árabe y han sido producidas y dirigidas por Arte Global.
Oriente Medio y el norte de África son un mosaico de civilizaciones, culturas y religiones donde los creadores contemporáneos desarrollan su actividad artística. La diversidad cultural marca el imaginario colectivo de estos artistas que reflexionan sobre aspectos como los conflictos políticos, la identidad, la realidad social y la memoria histórica. El desarrollo y democratización de las nuevas tecnologías ha facilitado que las nuevas generaciones de artistas desarrollen sus discursos desde el plano de la trasgresión, configurando una crítica a los tabúes sociales y a la alienación política.
Toda la información, aquí.
Fuente Universes in Universe ©
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Panorama rápido de una selección de lugares y obras
>> Lista de artistas
Los 190 participantes de la exposición, con datos biográficos.
dOCUMENTA (13), además de la exposición en la ciudad de Kassel inaugurada el 9 de junio de 2012, está concebida como una serie de actividades y gestos artísticos que, según la Directora artística Carolyn Christov-Bakargiev, no se ajusta a un sólo concepto general sino que se dedica a conducir y coreografiar múltiples materiales, métodos y conocimientos.
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Cuestionamientos de emancipación personal y colectiva a través del arte emergen en el proceso de realización de dOCUMENTA (13) reflexionando en relación a una serie de ontologías compuestas que generan condiciones paradójicas de vida contemporánea y producción artística, incluyendo:
Participación y retraimiento como modos simultáneos de existencia hoy día;
Encarnación y desmaterialización y su mutua dependencia;
La condición dual del sujeto como enraizado y sin techo;
Proximidad y distancia y su relatividad;
Colapso y recuperación, ocurriendo simultánea y/o sucesivamente;
El flujo de información incontrolada y la actual obsesión por el control y la organización;
Posibilidad e imposibilidad de traducción y su negociación;
Inclusión y exclusión y su interrelación;
Acceso e inaccesibilidad y su coexistencia;
La obsolescencia de una noción eurocéntrica del arte y el paradógico surgimiento de prácticas en el mundo de hoy relacionadas con esa misma noción;
Vida humana y otras formas de vida enfrentando historias intrincadas de especies múltiples;
Ciencia y tecnología de avanzada y su alianza con tradiciones antiguas;
Patrimonio tangible e intangible y su interconexión con la cultura contemporánea;
La especificidad de ser un artista y la no-especificación de la práctica artística.
Declaraciones de la directora artística, publicadas en la conferencia de prensa del 6 de junio de 2012:
dOCUMENTA (13) is dedicated to artistic research and forms of imagination that explore commitment, matter, things, embodiment, and active living in connection with, yet not subordinated to, theory.
These are terrains where politics are inseparable from a sensual, energetic, and worldly alliance between current research in various scientific and artistic fields and other knowledges, both ancient and contemporary. dOCUMENTA (13) is driven by a holistic and non-logocentric vision that is skeptical of the persisting belief in economic growth. This vision is shared with, and recognizes, the shapes and practices of knowing of all the animate and inanimate makers of the world, including people.
The exhibition in Kassel aims at engaging with a site and, at the same time, producing a polylogue with other places.
dOCUMENTA (13) is located in an apparent simultaneity of places and times, and it is articulated through four main positions corresponding to conditions in which people, in particular artists and thinkers, find themselves acting in the present. Far from being exhaustive of all the positions that a subject can take, they acquire their significance in their interrelation. The four conditions that are put into play within the mental and the real spaces of the project are the following:
- On stage. I am playing a role, I am a subject in the act of re-performing.
- Under siege. I am encircled by the other, besieged by others.
- In a state of hope, or optimism. I dream, I am the dreaming subject of anticipation.
- On retreat. I am withdrawn, I choose to leave the others, I sleep.
These four conditions relate to the four locations in which dOCUMENTA (13) is physically and conceptually sited – Kassel, Kabul, Alexandria/Cairo, and Banff. These places are phenomenal spatialities that embody the four conditions, blurring the associations that are typically made with those places and conditions, and which are instead constantly shifting and overlapping.
Each position is a state of mind, and relates to time in a specific way: while the retreat suspends time, being on stage produces a vivid and lively time of the here and now, the continuous present; while hope releases time through the sense of a promise, of time opening up and being unending, the sense of being under siege compresses time, to the degree that there is no space beyond the elements of life that are tightly bound around us.
Artists, artworks, and events occupy these four positions simultaneously. In Kassel, besides the traditional main venues of documenta, the Fridericianum, the documenta-Halle, and the Neue Galerie — museum spaces and white cubes — dOCUMENTA (13) takes place in a variety of other spaces that represent different physical, psychological, historical, cultural realms and realities. It takes place in spaces devoted to natural and technical science, such as the Ottoneum and the Orangerie. And it takes place in little components throughout the Baroque Karlsaue park, suggesting a particular mode of proximity by way of the spatially diffused aggregation of elements that also maintains their own singularities. Counterparts to the park are the industrial spaces behind the former Hauptbahnhof, once Kassel’s main train station but now only used for local transport — a dystopian space connected to the factory world that produced the military tanks for the National Socialist regime in the twentieth century and that is still adjacent to the factories. And it takes place in a variety of “bourgeois” spaces of a different order, off the main venues, places that are still in normal use or, on the other hand, places that have been forgotten and “removed.”
dOCUMENTA (13) takes a spatial or, rather, “locational” turn, highlighting the significance of a physical place, but at the same time aiming for dislocation and for the creation of different and partial perspectives — an exploration of micro-histories on varying scales that link the local history and reality of a place with the world, and the worldly.
(De informaciones de prensa publicadas el 29 de octubre de 2010 y el 6 de junio de 2012. © Traducción: Haupt & Binder. Derechos reservados.)
El Museo de arte contemporáneo de Singapure presenta la muestra Panorma en la que ofrece una amplia mirada sobre el estallido de producciones artísticas que tuvieron lugar a partir de 200o en Asia.
La muestra se nutre de obras del patrimonio del museo, uno de los mejores provistos del continente. Artistas tales como Agnes Arellano nos recuerdan el poder del mito en la construcción de la tradición y la identidad a la vez que Agus Suwage rastrea el poder de las imágenes provenientes de los medios y cómo su circulación masiva está formateando nuestra percepción de la realidad pero también del arte.
Nalini Malani, por su parte, enfatiza en el iso de la luz como símbolo de la energía creative sue se propgagó por las ciudades modernas, como la misma Singapure.
Esta primera edición de Panorama reúne 24 artistas de ocho países asíaticos que trabajan en pintura, escultura, dibujo, fotografía, vídeos e instalaciones.
El chino Cai Guo Qiang acaba de presentar en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA) su exhibición Sky ladder.
Durante la inauguración, intervino el edificio haciendo estallar 40 mil cohetes para crear su Mistery Circle, una obra que shockeó a media ciudad con la simulación de que el mundo estaba estallando.
En esta exhibición, notablemente participativa, también convocó a más de cien voluntarios para estampar huellas en los pisos del museo, dibujos y stenciles fueron plantados con su guía y ahora forman parte de esta muestra de uno de los artistas visuales chinos más renombrados en el mundo que, más allá de su fama, no deja de actuar como un creador emergente.
Recientemente en el programa Art21, declaró que hacer una obra es un proceso idéntico a hacer el amor, desde que planta el primer trazo, es como extender las sábanas apuntando en cada movimiento hacia el objetivo final.
Sus obras, sus orgasmos.
Onomatopee es una institución ubicada en Amsterdam cuyo objetivo es poner en cuestionamiento la comunicación y la cultura tal cual hoy está diseñada a través de investigaciones y trabajos visuales.
El proyecto de 2012, que arranca el 13 de abril, incluye cuatro exposiciones colectivas y la entrega de cuatro capítulos sobre la ambigüedad social.
La verdad vs el gobierno, la organización y la familia. Como disparador de la primera muestra/investigación (verdad vs. gobierno) evocan una frase de Gorbachov donde expresaba: ” Lo que necesitamos es una Star Peace, no una Star War”.
Vivir a través de la ambigüedad y la búsqueda de la cohesión: aquí es donde se emparejan cada vez más el carácter híbrido de los puntos de referencia que nos narran nuestras identidades personales, junto con nuestra necesidad de historias que nos permitan participar en escenarios de cohesión social (gobierno, organización, familia) y proceder a hacer frente a estas estructuras sociales tradicionales.
Diseñadores y críticos son convocados específicamente para crear imágenes y textos que permitan acercarse a las narraciones de nuestra identidad y a las historias de nuestra organización y a su vez a su cuestionamiento.
Onomatopee nació para poner en duda todo lo aceptado como natural.
En cuatro muestras colectivas que funcionan como capítulos, se intenta dar una mirada en profundidad sobre la historia y la narración a través del juego individual con las fuentes de información y el deseo de pertenencia a una organización social dada.
Participan, entre otros, los siguientes artistas: Aleksandra Domanovic, Foundland, Gokce Suvari , Group R.E.P. (revolutionary experimental space), Lieven De Boeck , Mauro Vallejo, Monika Löve y Slavs and Tatars.