Archivos de la categoría ‘Performance’

Se hizo famosa porque se casó con John Lennon y la leyenda cuenta que fue la responsable de la separación de Los Beatles. Pero ella era ya una consagrada artista antes de conocer a John y antes de que se armara el conventillo.

Nació en Japón y pasó su infancia entre este país y Estados Unidos. Es considerada como una de las artistas pioneras del arte conceptual. Ya lo era cuando se encontró con John y lo hechizó por el resto de su vida.

Nord_yoko_ono

En 1952, fue la primera mujer en ser admitida en la Gakushūin University de Tokio. Al poco tiempo se mudó a New York donde armó banda con artistas como  John Cage,  George Maciunas y Jonas Mekas. Todos ligados al movimiento Fluxus.

Yoko Ono

Muy pronto se hizo famosa por llevar la vanguardia en la concepción de la performance y al arte conceptual. Aplicó las artes visuales y la música para sus creaciones desde entonces y hasta ahora. Muchas de estas creaciones las hizo junto a Lennon, las más importantes las creó después de su muerte, cuando fue más allá de todos los límites de lo banal.

Yoko-Ono

Su fama y su obra, sobre todo, crecieron tanto a punto de ser considerada hoy una leyenda del pop que continúa trabajando en proyectos musicales bajo varios seudónimos además de su propio nombre.

La restrospectiva tiene lugar en Schirn Kunsthalle Frankfurt hasta mayo de este año. Se llama Yoko Ono. Half-A-Wind Show.

Perteneció a la generación que en los 80s hacía estallar Manhattan.

Murió en 2004 cuando acababa de cumplir 53. Gretchen Bender ya había realizado una carrera estelar como videoartista creando obras como Total recall y  produciendo y dirigiendo videos musciales para R.E.M., New Order y Megadeth y diseñando sets y coreografías para Bill T. Jones  y Molissa Fenley.

En estos días se presenta una retrospectiva de su obra en  Poor Farm, Tracking the thrill, donde se pueden ver sus más aclamadas videoinstalaciones y su modo -pionero y alucinado- de organizar los televisores  ya sea para trabajos publicitarios como para sus obras más personales.

On the moon, REM

Una artista que exploró las posibilidades del video desde todas sus perspectivas, tanto de registro como expositivas; una mujer que partió demasiado pronto porque su obra hacía intuir que podría haber llegado muy lejos.

Mejor que desfigurarse el rostro o, mejor reconfigurarlo, en esta nueva serie donde su imagen vuelve al centro de su trabajo, la artista francesa Orlan, dejó -por ahora- de lado las cirujías con las que armaba sus series donde la imagen femenina desafiaba la estetización de los mass media y también los que su propio espejo. Mirarse en él y reconcer a otro que no es siempre más que ella misma. ¿Se habrá perdido el rastro?

En esta nueva serie, inspiradas en figuras precolombinas y en tribus africanas, Orlane aplica técnicas de digitalización que operan con menos sangre que los escalpelos.

Los resultados tan fascinantes como shockeantes y más shockeante aún es ya no recordar cómo era el rostro de Orlan antes de que comenzara con todos sus procedimientos de transformación física.

Pero quizá eso es lo que viene a contarnos: noy hay ningún rostro que sea “la verdad”, la figura como juego, la carne como plastilina más allá del dolor, que se convierte en placer cada vez que es otra. El goce de la libertad de transformarse hasta el infinito.


En los backstage de la galería Stux de NYC, sus obras aún apiladas, las que quedan, en busca de nuevos dueños que soporten mirar cada vez ese rostro que es puro desafío.


Orlan, en una presentación reciente

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León organiza este viernes 6 de julio la joranda Explorando paradigmas: género, modernidad y tradición, un día entero de debate y proyección de vídeo-arte en torno a la realidad artística del Medio Oriente y el Norte de África.

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A través de dos mesas redondas, destacados artistas de la región reflexionarán sobre las fronteras entre tradición y modernidad, y el género e identidad. Paralelamente se proyectará una selección de piezas artísticas en formato vídeo de los artistas Basel Abbas; Ahmed Badry;  Atef Berredjem;  Asli Sungu y Mahmoud Bakhshi que abordan los temas tratados en las mesas.

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La jornada itinerará los días 9 y 10 de julio a la sede de Casa Árabe en Madrid.

Estas jornadas son el resultado de la colaboración entre la Delfina Foundation, promotora de las mismas, MUSAC y Casa Árabe y han sido producidas y dirigidas por Arte Global.

Oriente Medio y el norte de África son un mosaico de civilizaciones, culturas y religiones donde los creadores contemporáneos desarrollan su actividad artística. La diversidad cultural marca el imaginario colectivo de estos artistas que reflexionan sobre aspectos como los conflictos políticos, la identidad, la realidad social y la memoria histórica. El desarrollo y democratización de las nuevas tecnologías ha facilitado que las nuevas generaciones de artistas desarrollen sus discursos desde el plano de la trasgresión, configurando una crítica a los tabúes sociales y a la alienación política.

Toda la información, aquí.

Este año la Tate Modern de Londres en asociación con YouTube inauguró un espacio exclusivamente virtual para la apreciación de performances en vivo que luego quedan alojadas en el sitio para ser vistas por los usuarios.

Así,en la agenda de este año están programados Jerome Bel, Pablo Bronstein, Harell Fletcher, Emily Roysdon y Joan Jonas.

Aquí, la propuesta del argentino residente en Londres, Pablo Bronstein, lanzada a la red en abril de este año. Dura 30 minutos, tomate tu tiempo.

 


El Museo de arte contemporáneo de Singapure presenta la muestra Panorma en la que  ofrece una amplia mirada sobre el estallido de producciones artísticas que tuvieron lugar a partir de 200o en Asia.

Zhou Xiaozhu

La muestra se nutre de obras del patrimonio del museo, uno de los mejores provistos del continente. Artistas tales como Agnes Arellano nos recuerdan el poder del mito en la construcción de la tradición y la identidad a la vez que Agus Suwage rastrea el poder de las imágenes provenientes de los medios y cómo su circulación masiva está formateando nuestra percepción de la realidad pero también del arte.

Anges Arellano

Nalini Malani, por su parte, enfatiza en el iso de la luz como símbolo de la energía creative sue se propgagó por las ciudades modernas, como la misma Singapure.

Zacarin Krue

Esta primera edición de Panorama reúne 24 artistas de ocho países asíaticos que trabajan en pintura, escultura, dibujo, fotografía, vídeos e instalaciones.

Sherman Ong

La segunda edición de Panorama está prevista para el período 2013/14, en tanto esta puede visitarse hasta diciembre de este año.
Aquí una entrevista al director del museo y una visita muy  bien registrada de Panorama.

Marina Abramovic, la performer serbia, eligió la ciudad de Milán para realizar su primera acción luego de su concurrida y espectacular intervención, The artist is present, en el MoMA en 2010.

Abramovic devela aquí su modo de trabajo en lo que llama The Abramovic Method que se inaugura mañana el el Padiglione d’Arte Contemporanea (PAC) de la ciudad italiana.

Dice la artista que esta obra-método nace de una reflexión que desarrolló partiendo de sus tres últimas performances-The House With the Ocean View (2002), Seven Easy Pieces (2005) e The Artist is Present (2010)- experiencias que marcaron profundamente su manera de percibir el propio trabajo en relación con el público.

“Después de 40 años de trabajo, llegué a la conclusión de que en la performance el público es imprescindibile, tanto como el performer -explica Abramovic-  y que en este tipo de experiencia no puede existir el uno sin el otro. Son partes inseparables de la creación y como decía Duchamp es el público quien termina la obra”.

En The Abramovic Method será el público, guiado y motivado por la artista, el que vivirá y experimentará su “instalación interactiva”. Las obras -con las que el público podrá integrarse de pie, sentado o acostado-  son destilados de belleza realizados en varios minerales como cuarzo y amatista.

Un recorrido físico y mental transforma el espacio del PAC en un experiencia hecha de oscuridad y luz, ausencia y presencia,  percepciones espacio temporales diversas; un recorrido donde el público podrá expandir sus propios sentidos, observar, aprender a escuchar y a escucharse. Para enfatizar el rol de observador-observado Abramovic invita al público a utilizar telescopios esparcidos por la sala para que cada persona apunte su mirada como quiera y en la medida que desee.

En esta exhibición se recibirá al público con una reproducción en video de The artist is present, la performance mencionada del MoMA donde la artista se sentaba durante todo el tiempo de apertura del museo frente a un espectador durante el tiempo que este quisiera. Esta obra reproducida servirá de marco a la nueva intervención de Abramovic.

Obras de otros tiempos también serán exhibidas en el PAC con el objetivo de ayudar al espectador a profundizara el método que se expone.

Una invitación inquietante la de Abramovic que ahora no estará presente sino que dejará instrucciones -que pueden obedecerse o no- para atravesar esta performance, toda una experiencia de percepción y de vida.

El que asista no va a mirar nada, va a vivir un rato de un modo determinado en relación a una artista que le ofrece un recorrido, un escape, una instrucción, un alerta para que finalmente registre algo muy  básico: estamos vivos.

Ayer se inauguró la retrospectiva de la exquisitia artista nipona, Yayoi Kusama en la Tate Modern de Londres.

Primera mujer en meterse en el mundo de las artes visuales de su país, su obra es un viaje a las leyendas más insólitas de Japón y su obra una muestra indudable de exquisitez sin fin.

Actualmente la artista vive en una institución mental en Tokio, sin embargo tiene derecho a acceder a su trabajo en un estudio cercano. “Su locura está controlada”, dice la curadora de la Tate en el video de abajo. No lo creo y me alegro.

Vivimos en un mundo en el que todo está conectado, pero no todo encaja.

Transmediale, el festival berlinés de arte y cultura digital ha venido ofreciendo a lo largo de esta semana un programa que pone sobre el tapete diversos conflictos entre lo virtual, lo real y sus conexiones. ¿Dentro o fuera? ¿Exposición o anonimato?

Al entrar en la Casa de las Culturas del Mundo, frente a la cancillería de Merkel, en Berlín, una hilera de tubos de cobre invita a experimentar una leve descarga eléctrica por voluntad propia. La instalación de Ben Woodeson se titulaBite you on your ass and kiss your shocks goodbye. Muchos caen al suelo al tocar los tubos, otros simplemente ríen, y hay una minoría que repite la jugada. Es una buena demostración de lo que el mundo artístico tiene que decir hoy ante la inmersión del hombre en la tecnología, la complicada relación del yo en un mundo virtual, y toda una trampa expuesta por el equipo del festival para adentrarse en el tema de esta edición: In/Compatible.

Desde el 31 de enero y hasta este domingo se desarrolla un programa de vídeo arte, performance, instalaciones, exposiciones, experimentos, talleres y conferencias, que aborda sin censuras las ventajas que cualquier fallo del sistema ofrece al individuo del mundo global, donde la nueva frontera comunicativa es tan inabarcable como el cielo (el logo del festival es un disco externo suspendido entre nubes y azul). Transmediale plantea traumas, momentos negligentes, conexiones y, sobre todo, libertad frente al control de aquellas instituciones que hoy nos fallan y desprotegen, ya sea en términos económicos, de género o medio ambientales.Matthias Wermke desafía los valores establecidos con una intervención site specificen la que ingenuamente ofrece sus servicios de limpiaparabrisas a trenes del metro berlinés. Mientras, Art 404 protagoniza el festival con su pieza 1 Terabyte de cinco millones de dólares, un disco externo lleno de material ilegal descargado de Internet por el valor que indica el título de la obra. En otra sala se proyecta el vídeo de Dominic Gagnon, artista al rescate del material flageado (censurado) de YouTube en RIP in pieces America cobra aún más sentido cuando el propio Gagnon los publica como vídeo arte en la misma plataforma.

Durante toda la semana el artista Johannes P Osterhoff enseña el método para publicar todas tus búsquedas en Google. Paradójicamente, Osterhoff ha logrado con esta performance digital destacar como el primero en las listas de búsqueda sin pagar un duro.

La exposición central muestra una gran pieza precisamente del único español de esta cita: Daniel García Andújar. Su Ciudadano armado presenta imágenes de pistolas sobre un fondo blanco, “un objeto de deseo”, según sus propias palabras. El artista barcelonés cuestiona el exagerado debate sobre descargas de películas o música mientras ya hay armas accesibles online: “estas navidades las pistolas simuladas han sido número uno en ventas en Alemania”, declara Andújar. La exposición enfrenta también al visitante a un ordenador semi roto en el suelo con imágenes de chavales enloquecidos y violentos ante la derrota en un vídeo juego (My generation, de Eva + Franco Mattes).

TRANSMEDIALE.Laura López Paniagua Instalación Spectral TRansistor_photo_by_tamami_iinuma_DSF7960

Inesperadamente, por diversos pasillos del festival, suena un teléfono naranja, un aparato antiguo que conecta conversaciones y anónimos, en lo que es todo un guiño de la Transmediale a la suma de lo orgánico, lo analógico y lo digital. Con el mismo método y un resultado espectacular, se ejecutan los colores de los míticos Joshua Light Show tras el telón del auditorio principal. La performance de jon.satrom juega con sonidos compuestos por las diferentes alertas de errores de compatibilidad de un Mac. Y la madrileña Laura López Paniagua (foto de la derecha) participa en la cita paralela de música avanzada (Club Transmediale) con una instalación que manipula digitalmente las voces de aquellas personas que le ha enviado por Internet sus secretos más íntimos para ser escuchadas a través de un pequeño agujero en la pared. La distorsión, como la pieza de los Simpsons desfigurados de JK Keller, la joya audiovisual The Cut-Ups (1966) de William S. Burroughs y Antony Balch, o las manipulaciones del artista holandés Constant Dullart (en febrero estará en el CCCB), es otra de las posibilidades a las que los artistas apuntan en este festival. Con un excelente programa de vídeo (el festival nació en realidad como cita alternativa a la Berlinale) Transmediale presenta una relación de cintas a veces en extremo molestas, otras harto irónicas. Además del trabajo de Dominic Gagnon, cabe destacar el de Andreas Schneider, que muestra las posturas, mensajes y trucos de cuatro V-loggeras de la comunidad YouTube en torno al maquillaje y cuyos suscriptores llegan a superar las 6.000 personas.

También se puede ver la brutal exposición pornográfica en una reunión de caza reciclada por Steve Reinke en Beaver Skull Magic, y la divertida pieza (retransmitida en 1987 por la televisión alemana ZDF) Flirting TV , de Michaela Buescher, en la que el espectador se convierte en el observado y viceversa. Su visionado provoca alguna sonrisa entre los asistentes y curiosamente recuerda que, al fin y al cabo, el término “compatibilidad” procede del latín Compatere: “tener compasión de algo o alguien”.

 por LARA SÁNCHEZ / Berlín

No está ni en el MoMA ni en el MET ni en el Gugghenheim, ni siquiera en el riquísimo y ecléctico circuito de la galerías de Chelsea, el Upper West o Brooklyn. No. Lo nuevo está en el New Museum ubicado en el East Village, en los bordes donde Manhattan se funde el Noho, con Nolita, el ya viejo Soho, Chinatown y Little Italy. Sobre la avenida Bowery en la frontera que es la calle Houston se alza este nuevo museo de siete pisos, con una terraza que tiene una de las mejores vistas panorámicas de la zona y donde, desde los ascensores, ya empieza el recorrido artístico.

Twins, de Holler. Dos plasmas enfrentados instalados en el ascensor

La nueva apuesta del New Museum se llama Experience y es una intervención de sitio específico realizada por el artista belga residente en París, Carsten Holler, desde la planta baja hasta el cuarto piso. Todas las obras son interactivas, desde un sauna donde se ingresa de modo individual y el museo provee de toalla, pasando por una calesita hecha en un 80 por ciento por espejos a la que se sube para dar todas las vueltas que se quiera, hasta una pecera debajo de la cual se ubican cuatro sillones para que quien quiera pueda recostarse y tener una visión cenital de los peces bañándose por sobre su cabeza.

Parte de la cola para participar de Slide

Es un pequeño parque de diversiones para adultos esta Experience de Holler que dicen que experimenta con psicotrópicos y fuerza su mirada ante distintas proyecciones de luz para realizar sus creaciones. La obra más inquietante la constituye un caño gigante instalado en el cuatro piso y que cruza el tercero hasta llegar al segundo en violenta picada. Se trata de Slide. Allí con una bolsa de arpillera provista por el museo y un casco idem, luego de hacer una cola de algo más de una hora, se puede vivir la experiencia de meterese solo en el caño y deslizarse a la velocidad de la bajada hasta el segundo piso en un trayecto sinuoso e incontrolable.

Preparativos para participar de Slide

El breve viaje da vértigo porque una vez metidos en el caño, lo único que se puede esperar es que la gravedad nos detenga. Y lo hace. En el segundo piso, personal del museo espera a cada aventurero, le quita el caso y recoge la bolsa de arpillera en tanto chequea con sutileza que no haya sufrido ningún daño. En el transcurso del viaje por el caño se escuchan gritos más de miedo que de excitación. Quizá lo que el artista experimentó con los psicotrópicos y traduce en esta bajada literalmente alucinante por su caño gordo.

Distintos momentos del viaje que propone Slide

Me divertí mucho en el New museum, como hacía tiempo y encontré un modo gozoso y diferente de interactuar con una obra ajena, donde la interacción no se convertía en puro bla bla. El sauna, la calesita, el caño y los tubos de luz instalados en las cuatro paredes del segundo piso donde llega el que hizo el viaje del caño que, además de tratar de quitar el temblor de su cuerpo, tiene que lidiar con el efecto parpadeo que propone el artista es -efectivamente- en verdadero viaje, donde las artes visuales ejecutan un oximoron y se convierten en arte para apreciar con los ojos cerrados. Sí, el arte de Holler en el New Museum es, literalmente, alucinante.

(Nota ampliada sobre todas las actividades del museo en el próximo número de revista Red)