La Forastera

Es la mejor época del año para apreciar el famoso parque de la gran manzana desde las terrazas del Metropolitan Museum. Hasta el 9 de noviembre el tucumano Tomás Sarraceno continúa exponiendo una de sus más osadas instalaciones, Cloud City.

De instalación complejísima y con resultados realmente impactantes, Sarraceno logró crear una micro ciudad sobre la terraza del MET desde la cual y dentro de la cual, cada visitante puede apreciar desde lo alto la vistas orgullosas de la ciudad.
Ya había comenzado con su proyecto de la ciudad de las nubes, otras nubes, el año pasado en Alemania, algo más encerrado donde no había interacción con el espectador. Sólo apreciar esas inquietantes pelotas como nubes.

Ahora en New York y luego de una exitosa concurrencia durante todo el verano, sus nuevas nubes siguen abriendo un espacio donde el espectador puede meterse en sus nubes a veces pentágonos, otras hexágonos y mirar la ciudad desde las alturas mientras se mira a sí mismo.

En este link, podés ver cómo se montó la compleja instalación, todo un hito en la carrera del tucumano.

Con esta imagen, una instalación lumínica del colectivo francés Claire Fontaine se presenta abc Berlin Contemporary Art que tendrá lugar en el histórico barrio turco de la ciudad, Kreuzberg,  entre el 13 y el 16 de septiembre. Y con esta obra señala la dirección en la que girará el encuentro.

Particciparán 19 galerías de todo el mundo, a las que este año no se les sugirió otro tema más que pensar cómo esta posicionado el arte en nuestra contemporaneidad.

Habra una sección llamada Bazaar que cobijará todos los proyectos que organicen la circulación del arte por medios no convencionales

También tendrá lugar el apartado Miss Read, una feria de libros de artistas realizados en forma independiente.

Un encuentro poco convencional, de punta, donde también habrá conferencias y sobre todo discusiones entre los jugadores que mueven la pelota del arte sobre cuál es su función en la actualidad.

El artista búlgaro Plamen Dejanoff viene trabajando desde hace más de 6 años en un proyecto monumental, la construcción de una inmensa casa de bronce, su obra The bronze house, cuya maqueta fue exhibida en la White House de Londres hasta enero de este año.

Ahora es tiempo de ver la realidad de esta construcción que se presenta como la escultura en bronce más grande realizada en la historia del arte tanto moderno como contemporáneo. Actualmente la construcción de exhibe en el Museo de Arte Moderno de Bologna (MAMBO). Dejanoff presentará partes de su casa metálica en distintos museos europeos hasta finalmente mostrar la obra completa en su pueblo natal, Veliko Tarnovo, una casa de 600 metros cuadrados construida totalmente en bronce. 

Con este desafío, el artista espera explorar los límites actuales entre arte y economía. Empezó su proyecto en 2006 cuando en el centro de su pueblo adquirió una serie de espacios de trabajo con la idea de construir allí esta gigantesca estructura de bronce. La idea no es crear un monumento vacuo sino hacer de esa casa un centro cultural público donde funcionará una librería, cines, teatro, una sala de exhibiciones y habrá también espacios para talleres de trabajo.

El artista aquí amplía su rol y se convierte en curador, arquitecto, manager, diseñador y coleccionista. El éxito del proyecto depende de un fondo finaciero armado por el propio Dejanoff, un grupo armado por artistas, coleccionistas, museos, galerías y editoriales.

Plamen Dejanoff from white tube on Vimeo.

Fuente Luis Alberto Álvarez | El Mundo.es

Las calles cansadas de La Habana se han engalanado para acoger la undécima edición de su Bienal de Arte Contemporáneo. Durante un mes, y entre el hedor de la mala combustión de los antiguos chevrolets y los ritmos salseros, la ciudad coquetea con la modernidad sorprendiendo en cada esquina (desde el barrio viejo pasando por el lujo contenido de los suburbios residenciales) con infinidad de actividades creativas producto de un programa internacional que lleva por título ‘Prácticas artísticas e imaginarios sociales’. Un total de 178 artistas provenientes de 43 países, algunos tan cotizados como el mexicano Gabriel Orozco, el austriaco Hermann Nitsch, la pareja rusa Kabakov o la omnipresente Marina Abramovic, participan en este certamen que se creó en 1984 con el afán de convertirse en la alternativa de los llamados países ‘periféricos’ ante la uniformidad de las ferias internacionales.

“La Bienal de La Habana nació con la intención de mostrar las voces pertenecientes a geopolíticas silenciadas. Su estrategia consistió en romper con el bazar de pabellones y artistas“, sentencia en la presentación del programa Jorge Fernández, director de la muestra.

El pistoletazo de salida lo ofrecieron el colectivo Los Carpinteros (Dagoberto Rodríguez y Marco Antonio Castillo), los artistas cubanos que gozan de una mayor proyección internacional en la actualidad, con una ‘performance’ por el Paseo del Prado (levantado en el siglo XIX a imagen y semejanza del de Madrid). La acción, en la que participaron un centenar de bailarines y músicos, consistió en una conga, tal cual, con una peculiaridad: los actores, todos de raza negra y ataviados con un original traje de carnaval negro, danzaban hacia atrás. Se trató de una puesta en escena ‘a contracorriente’ de la cotidianidad en una villa poco acostumbrada a aquello que se sitúe al margen del ritmo unidireccional. Y es este tono sugerente, evocador, crítico respecto a la realidad social que vive el país, el que planea en la mayor parte de los trabajos ofrecidos por los artistas cubanos. Entre ellos destaca Kcho, que cuenta con una fuerte presencia en el certamen. En la fortaleza de San Carlos de La Cabaña, consagrada a los creadores locales, se pueden ver sus característicos cayucos de madera dispuestos en vertical, como si de lápidas para una necrópolis imaginada por Paul Valéry se tratara.

Superhombre

El artista cubano también presenta una instalación a modo de ‘work in progress’ titulada ‘Construcción del hombre nuevo’, cuyo resultado es una frágil estructura formada por remos de madera y rematada por la bandera cubana. “Creo que el acto creativo es un acto de transformación, en cada uno de ellos el individuo se convierte en un hombre nuevo, es como una resurrección constante constante”, explica Kcho. Ya en el Gran Teatro de La Habana, una de las sedes oficiales de la Bienal, Kcho muestra su particular versión del ‘David’ bíblico, una suerte de muelle flotante en madera y de grandes dimensiones con forma humana. “Se trata de una pieza que habla de imponerse en la vida, es como esta isla en el que el oleaje que la mueve son muchas cosas. Es un David cuyo Goliat es el mar“, comenta, lacónico, el artista.

En esta sede se presentan los principales trabajos internacionales, con gran presencia latinoamericana. A pesar del potencial expositivo del amplio espacio modernista del Gran Teatro, dentro del cual vuelan a sus anchas pequeñas aves similares a las golondrinas, la organización consideró que lo más oportuno es mostrar cada una de las piezas artísticas en módulos que terminan por ofrecer un extraño regusto a ‘peep show’.

El artista argentino Gabriel Vallansi propone en el Gran Teatro su particular visión del mito de ‘Babel’. “Esta obra está construida por placas de memoria de ordenadores tratadas con un sistema de erosión que las muestra de la forma que estarían dentro de 1.000 años. Al final, lo que presento es un paisaje postapocalíptico en el que existen toneladas de memoria que no alcanzamos a borrar”. El artista Valeriano López con suvideoinstalación titulada ‘Orient Express’ representa la aportación española en el Gran Teatro, que se completa con cinco creadores más en el resto del certamen.

Nota de fin de curso

La pregunta que puede surgir en una ciudad como La Habana es si, más allá de la Bienal, estamos ante una ámbito donde cabe el espíritu de la modernidad. “Lo que sí existe es una contemporaneidad, una mutación racional, planificada dentro de sus posibilidades hacia un futuro que todavía es un signo de interrogación”, estima Vallansi.

La respuesta a la incógnita se despeja en el Malecón. En este paseo está situada la pieza de Rachel Valdés ‘…Happily Ever After…’. Consiste en un gran espejo a modo de muro de unos tres metros de alto por 15 de largo. La singular tapia no deja ver la ciudad. En cambio, el espectador se refleja dando la espalda al océano. Se establece un juego retórico que recuerda aquel verso de Baudelaire, el poeta de la vida moderna: ‘Es tu espejo la mar; tu alma tú contemplas’. Mientras, detrás del reflejo, el cuerpo inerte de un animal henchido baila un son con la marea.

Juventud habanera

Más allá, en las afueras de la Bienal, entre sus actividades paralelas, se encuentra la exposición de los trabajos de 18 jóvenes artistas cubanos becados por Havana Cultura, la plataforma de Havana Club para difusión de la cultura contemporánea cubana. Ubicados en el Museo del Ron de la capital, los proyectos reflejan las inquietudes de una generación procedente en su mayoría del prestigioso Instituto Superior de Arte(ISA) que ha crecido en un contexto global y se encuentran ante el difícil reto de producir sin contar con medios materiales.

‘Universos paralelos’, de Michel Pérez (1981). | Havana Cultura

“La principal dificultad para un artista joven cubano es económica. Tengo una serie de proyectos que no puedo desarrollar. Pero la verdad es que hay muchas ganas de hacer cosas”, explica Reinier Nande (1979), un joven artista que participa en la exposición colectiva. Su trabajo ‘Anatomía de un tiempo’ consiste en una videoinstalación con cuatro pantallas que simulan el campo de visión del interior de un automóvil. En el monitor mayor que simula un parabrisas la imagen se adentra hacia barrios marginales de La Habana. Mientras, y de forma sincronizada, las tres pantallas pequeñas que simulan los retrovisores alejan la imagen de lo que parecen ser cómodos barrios residenciales de los suburbios de la capital cubana. “Simula un viaje en taxi por dos tiempos y realidades diferentes. Tiene que ver con la manera de vivir de los cubanos hoy día y con sus distintas escalas sociales. El sentido del tiempo guarda relación con lo que Borges llamaba el ‘aillón’, un concepto de tiempo entendido como una linea recta que se estira y se encoge como un chicle en diferentes presentes“, explica Nande. La muestra se consagra en una gran variedad de lenguajes que van desde la fotografía de tribus urbanas (y rurales) de Alejandro González (1974), la instalación preciosista de Lisandra Isabel López (1989), la estructura kitsch de Mabel Poblet (1986) e, incluso la pintura (‘rara avis’ en la Bienal) de Michel Pérez (1981).

Organizada por la Royal Academy of Arts en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao y el Museum Ludwig de Colonia, David Hockney: una visión más amplia será la primera gran muestra dedicada en España a celebrar el relevante papel que el paisaje desempeña en la trayectoria deDavid Hockney, considerado en la actualidad como el pintor británico en activo más importante.

Intensos paisajes inspirados en Yorkshire, su condado natal, realizados a partir del año 2004, componen el núcleo de esta muestra que reunirá en Bilbao a partir del próximo martes, 15 de mayo, cerca de 190 trabajos –pinturas al óleo, carboncillos, dibujos realizados con iPad, cuadernos de bocetos y vídeos digitales–, la mayoría de ellos llevados a cabo en los últimos ocho años. La exposición ofrecerá una visión única del universo creativo de David Hockney y evidencia, tanto su gran capacidad para representar la naturaleza a través de diferentes técnicas, como su relación emocional con el paisaje de su juventud. La muestra también ilustrará hasta qué punto la representación del entorno natural ha estado presente a lo largo de toda la carrera del artista, incluso cuando otros motivos centraban su producción. Una selección de trabajos, desde 1956 –durante sus días de estudiante en Bradford–, hasta 1998, contextualizará sus últimos paisajes, y revelará la temprana preocupación de Hockney por la representación del espacio, el uso del color y el tratamiento de la perspectiva para reflejar el mundo natural.

Además se podrá comprobar el interés del artista por las nuevas tecnologías a lo largo de su carrera: desde su temprano empleo de la cámara Polaroid, su incorporación innovadora de la fotocopiadora a color, el uso del iPhone y el iPad; además, ese interés es especialmente evidente en una serie de nuevas películas producidas usando hasta 18 cámaras, que se exponen sobre múltiples pantallas, evidenciando el uso de las técnicas que ha desarrollado en sus pinturas en el formato videográfico, y trasladando al visitante a un hechizador viaje a través de la mirada de David Hockney. El maestro y su proceso creativo Nacido en Bradford en 1937, David Hockney asistió a la Bradford School of Art antes de entrar en el Royal College of Art, donde permaneció entre 1959-1962. Entre sus condiscípulos se encontraban Peter Blake y R.B. Kitaj. La celebridad de Hockney le llegó mientras aún estudiaba, cuando su obra fue incluida en la exposición Young Contemporaries, que marcó el surgir del arte pop británico.

A comienzos de los años sesenta visitó Los Ángeles y poco después se estableció en aquella ciudad. Con frecuencia se le asocia al sur de California y a las numerosas obras que produjo allí a lo largo de varias décadas. En 1991 fue nombrado miembro de la Royal Academy. Curiosidad y energía David Hockney: una visión más amplia pondrá de relieve la curiosidad y la energía de Hockney a la hora de adoptar las innumerables posibilidades que ofrece el arte del paisaje. Hockney trabaja del natural y a partir del recuerdo y de la imaginación, con el apoyo de herramientas visuales y tecnológicas; su virtuosismo con diversos medios y su enfoque siempre innovador le permiten crear imágenes que constituyen poderosas evocaciones del espacio y el paisaje y lograr “una visión más amplia”. Su profundo conocimiento de los maestros del pasado y la influencia de estos en su obra son igualmente evidentes en la exposición, como lo demuestra el uso de la escala para ampliar la visión del paisaje. Pero por encima de todo, la muestra situará a Hockney sólidamente en la tradición de los grandes paisajistas británicos, como Constable, que suelen asociarse con un lugar particular de gran belleza natural. Como complemento a la exposición, la segunda planta del museo acogerá varios espacios didácticos donde los visitantes podrán acercarse a su proceso de trabajo.

Un primer espacio mostrará una serie de textos y materiales educativos sobre sus principales técnicas de trabajo, desde las acuarelas y la fotografía hasta las más innovadoras aplicaciones para iPads. Completa ese espacio una muestra de los diseños de escenografías para ópera, faceta presente en su producción desde los años setenta, y el audiovisual titulado A Bigger Picture dirigido por Bruno Wollheim. Un segundo espacio ofrecerá una extensa bibliografía sobre el artista y su obra para consulta. Bilbao.

David Hockney: una visión más amplia. Museo Guggenheim Bilbao. Del 15 de mayo al 30 de septiembre de 2012.

Fuente:  www.musicandarts.fm

La galería de Ida Pisani en MIlán, Prometeo, abre ell 10 de mayo la muestra del artista guatemalteco Anibal López (1964), un clásico del espacio, que remite a través de una serie de escultura a la violencia en su país:

luego que la religión desplazó el espacio de las creencias, reflexiona el artista, la violencia cobró el color de dinero que se transformó en el color de la sangre.

Su obra monocroma, realista y de pequeño formato, exige la atención minuciosa del espectador para descubrir el perverso universo donde el poderoso masacra al más débil.

Hasta el 11 de julio en Via Ventura 3, Milano.

Por lo demás, López fue reconocido en el medio por su viaje desde Paraguay a Brasil para ingresar clandestinamente en San Pablo los elementos con los que armaría su instalación para la Bienal 07, donde el ingreso de su obra no había sido admitido oficialmente.

Aquí un video que recuerda un evento memorable para el artista y para un trabajo bien concreto, metiendo el cuerpo y apostando el riesgo, contra la censura.
 

Una de las artistas mexicanas más originales, Minerva Cuevas, expone sus objetos y vídeos de intervenciones públicas en el Museo de Ciudad de México.

Paseá por la muestra y conocé parte de las 30 obras expuestas.