La muestra que se exhibe desde el 19 de abril en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris se llama no casualmente Haring-La línea política, y nos da cuenta de un artista mucho más serio y diferente de lo que vulgarmente se suele apreciar de su obra.

El guión de la muestra, nos propone una visión política de la obra de Haring, un tipo mucho más serio, más sexy y politizado que lo que el marketing que lo devoró después de su muerte permitió percibir de el. Lo que se ve en París por estos días, supera al artista icónico de los metros newyorkinos, el que fue usado para estampar camisetas por doquier, imprimir llaveros con obras como logos o armar corbatas divertidas y pins para la heladera o la chaqueta de jean.

El trazo y los colores inconfundibles de su obra se aprecien en estas 250 obras ahora expuestas en la ciudad luz, con una furia desconocida o velada, con un compromiso que se intuía en sus actos casi vandálicos del comienzo de su carrera de graffitero.

Aquí vemos otro Keith Haring, pero también siempre el mismo: más valorado, menos painter-toy; menos joven prodigio.

La obra se exhibe exultante y es su contundencia la que debe tomar la palabra.

Enjoy!

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Artista: Mathieu Mercier
Dónde: Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo
Título: Nueve y cuarto
Fechas: Febrero-Mayo 2013

Texto, galería de imágenes y links

Con motivo de su primera exposición en la galería Ignacio Liprandi, Mathieu Mercier presenta una serie de obras recientes e inéditas en Argentina.
En la serie Scans, lo orgánico se yuxtapone a lo mecánico en una confrontación brutal: diferentes elementos - polvo, tierra, flores – son colocados horizontalmente en el mismo vidrio de un scanner de alta eficiencia.

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A Marjane Satrapi (Irán, 1969) siempre le gustó pintar, aunque se hizo famosa por sus comics unidos en su novela gráfica Persépolis que luego se convirtieron en una taquillera película de culto del mismo nombre, donde la Satrapi narraba con gracia y un humor muy fino y como en una ficción, parte de la historia de su vida en el Irán dictatorial del Ayatolah y su exilio en París, su actual ciudad de adopción.

Pero lo suyo es la pintura, aún cuando nunca hasta hoy haya decidido mostrarlas públicamente. Desde el 30 de enero, sus obras más preciadas serán exhibidas en la Galería Jerome de Noirmont.Allí se podrá conocer el lado escondido de su talento artístico a través de 21 pinturas: todas retratos.

Satrapi admite su fascinación por Balthus por la exactitud de sus elaboradas escenas interiores y su deslumbramiento por Mondriani y sus construcciones geométricas. Aunque esta fascinación y deslumbramiento se acuñen en sus gustos y se vislumbren, por fortuna, sutilmente en sus obras.

Sus caras son inconfundiblemente Satrapis, incluso el contexto donde ubica a sus mujeres o familias remiten a la película que la hizo famosa. Esos rostros inolvidables parecieran tener algo de inacabado en estas pinturas que ahora se atreve a exhibir, sin embargo la contundencia que logra darle a la mirada de cada uno de sus retratados compensa lo que podría pensarse como una falta.

Sus galeristas franceses afirman: “aunque la analogía con Matisse es obvia, es conceptual, intelectual, no pictórica” y Satrapi remata: “Mis modelos, figuras humanas, nunca están fuera de un espacio interior pero son el tema principal de mi trabajo. No pinto cosas. Sólo pinto las relaciones entre las personas y las cosas”.

Your Rainbow Panorama de Olafur Eliasson (artista mitad islandés, mitad dinamarqués) constituye una instalación permanente ubicada en el techo del ARoS Museum en Dinamarca.  Terminado de construir a finales de 2011 luego de 5 años de intensa labor, el inmenso trabajo tiene un diámetro de 52 metros y está montado en columnas que se deslizan en la terraza del museo.

Los visitantes, literalmente, pueden caminar a través de los distintos espectros de color del arco iris, percibiendo el mundo desde una perspectiva verde, rosa, azul y de todos los tonos de amarillo.

“Esta instalación -afirmó Eliansson- constituye un diálogo con la arquitectura existente y reafirma aquello que ya está construido, lo que implica una visión determinada de la ciudad.

Creé un espacio que, virtualmente, borra las fronteras entre el adentro y el afuera, donde la gente puede dudar sobre cada paso que da y no sabe exactamente qué esta pisando: si está dentro de mi obra o en alguna parte del museo. La incertidumbre es importante para mí porque creo que alienta a las personas a pensar y sentir más allá de los límites dentro de los cuales están acostumbrados a moverse”.

Olafur Eliasson “Your Rainbow Panorama” from shell3000 on Vimeo.

Olafur Eliasson “Your Rainbow Panorama” from shell3000 onVimeo.

Mañana abre en el Centro Pompidou de París la mayor exposición dedicada en 30 años a Salvador Dalí, cuya figura personal -excéntrica, provocadora, hipernarcisista, obsesionada por el sexo y el dinero- fue tan fuerte que terminó imponiéndose y opacando la genialidad de su arte.

El gran masturbador

Según Manuel Borja Villel, director del museo Reina Sofía de Madrid, que unió esfuerzos con el Pompidou para organizar la muestra, la retrospectiva  busca revalorizar el trabajo de Dalí, uno de los artistas más fascinantes y polémicos del siglo XX. Se exhiben unas 200 obras de todas las épocas del artista  - pinturas, esculturas, objetos, dibujos-,  algunas nunca antes expuestas.

Una espectadora de la instalación Mae West

“Lo ‘daliniano’ ha absorbido frecuentemente a Dalí. Por eso esta exposición es necesaria, porque nos exige leer entre líneas, ir más allá de las máscaras que él construía”, dijo Borja Villel, en la presentación de la exposición a la prensa. Máscaras o no, algunas de las posturas de Dalí lo convirtieron en un personaje no muy simpático, autor de frases como “Franco era un santo” y “La libertad es una mierda”.

La persistencia de la memoria (1931)

Para que esas máscaras pasen a segundo plano, la muestra logró préstamos de piezas esenciales, como “Metemorfosis de Narciso”, de la Tate Modern; “El gran masturbador”, del Reina Sofía, además de “La persistencia de la memoria” y la famosa instalación “Mae West”, entre otras.

La metamorfosis de Narciso, 1937

La última retrospectiva consagrada a Dalí, que tuvo lugar en el Centro Pompidou en 1979, según recordó su director, Alfred Pacquement, fue un récord de público: poco menos de 900.000 visitantes. La retrospectiva que se inaugura mañana en el Pompidou, se exhibirá en el Reina Sofía desde el 24 de abril de 2013.

Fuente: http://www.jaquealarte.com

Personajes silenciosos (¿y cuándo hablaron los personajes de un cuadro?) merecen un entorno de silencio y el énfasis de un nombre idéntico que los una. Así es la muestra de Khaled Takreti (Beirut, 1964) que tiene lugar en Dubai desde esta martes y toma el  nombre de la actitud de sus personajes silentes pero no mudos, esos rostros siempre  diseñados en una paleta de tonos grises cortado por algún rojo carne, rojo sangre, rojo vida, rojo revolución.

En cada uno de estos retratos, se intuye la soledad. No parece haber nada fuera de campo, nadie esperando a esos seres preciosos pintados por Takreti quien afirmó que su objetivo con esta serie es presentar “una perspectiva del mundo exterior menos romántica y más contemporánea”.  Considera que cada uno de sus retratos son un espejo de sí mismo apostando a las expresiones que asumió su rostro en los últimos tiempos en que su país vivió tiempos de inmensas dificultades y grandes cambios, un tiempo que, según el artista, se tragó los colores y la narrativa de su obra. De allí la paleta casi monocroma, la falta de palabras, los gestos adustos, el dolor contenido.

Takreti es un artista muy comprometido con su país y con el desarrollo del arte. Forma parte del proyecto The Shabab Ayyam Project, una suerte de incubadora para artistas jóvenes ubicada en Beirut, Damasco y Dubai y ahora en expansión para artistas de medio oriente que habitan en Londres y Jeddah.

Y allí no hay silencio: seguramente el ruido poderoso de la intención de los creadores en ciernes rompiendo moldes para hacerse un lugar en el mundo, un mundo que los ignoró como artistas y que sólo vio en ellos guerreros. Sí, los son, pero guerrerros de la creación. Otro modo que acabar con la guerra, la opresión y la desigualdad que tiñó de ese rojo apenas presente en la obra de Takreti cuando pinta su lugar en el mundo.

Le rapace de Bernard Buffet

En Bordeaux en el Instituto Cultural Magrez tiene lugar una muestra que, con el nombre de La bella y la bestia, intenta -a través de la obra de 30 artistas- tratar de dilucidar de qué hablamos cuando hablamos de belleza.

Taxidermia de Adel Abdessemed 

Una apuesta pretenciosa que podría, francamente, aplicarse a cualquier exhibición que considere que, en las artes visuales, la belleza es un valor primordial.

Valerie Belin de Cleome Spinosa

Siguiendo el juego que proponen en Bordeaux, nos ponemos a pensar qué es exactamente la belleza y si existe para ella un valor absoluto o, al menos, un  conjunto de parámetros que pudieran esbozar qué es bello y qué no.

The price of danger de Camille Henrot

La subjetividad siempre está de por medio y un concepto absoluto, desde esta perspectiva, se diluye.

Sin embargo, pareciera que hay un sentido que va más allá de nuestra mirada y de nuestra razón, aún de nuestros gustos, que nos hace palpitar ante éso que podríamos llamar “bello”. A veces en el borde de una obra “bestial”, “horrorosa” que en el exceso de su supuesto defecto contiene una belleza tan pura que es tan indescifrable como intransferible.

De la serie Case history de Boris Mikhailov

Y así se vuelve a la pregunta sobre qué es lo bello.

The New North de David Altmejd

Desafiamos/proponemos al que  se anime y tenga ganas: dejá tu comentario sobre qué es lo bello. Y así, de una vez, que empiece el debate.